Figure majeure de la photo de mode de ces 50 dernières années, Paolo Roversi a collaboré avec les plus grands créateurs de mode, immortalisé les mannequins les plus célèbres. Artiste à la signature reconnaissable dès le premier regard, il se renouvelle en permanence, affinant un langage photographique qui lui est propre, cliché après cliché. L’exposition du Palais Galliera est la première monographie qui lui est consacrée. Il était temps !

Paolo Roversi – le photographe

Paolo Roversi est né à Ravenne, en Italie. C’est là que tout commence comme il le dit lui-même. « Ma première lanterna magica, c’était ma chambre à coucher à Ravenne où les lumières qui entraient par les persiennes formaient sur le plafond et les murs des figures fantomatiques et mystérieuses ». Depuis ce studio de fortune à son studio professionnel à Paris où il vit, Paolo Roversi ne cesse de se chercher pour créer son propre style. Grand admirateur de Man Ray, il s’inspire de ses manipulations de négatifs et de ses jeux avec la lumière. De fait, la lumière est au coeur de la technique de Paolo Roversi.

Au début des années 80, il découvre le Polaroïd qu’il adopte immédiatement, explorant son côté artisanal et aléatoire. Il continuera à l’utiliser jusqu’à la disparition de la marque. Mais c’est l’éclairage à la lampe torche qui deviendra sa signature après sa première utilisation en 1997 pour la collection printemps-été de « Comme des garçons » .

Paolo Roversi – l’exposition

Le Palais Galliera détient une impressionnante collection de photographies. Pourtant peu d’expositions photo y ont été proposées à ce jour. Pour cette rétrospective de Paolo Roversi, la commissaire et le photographe ont collaboré durant plusieurs années. Paolo Roversi a ouvert les portes de son studio, mais aussi de ses archives, riches et parfaitement documentées.

Sylvie Lécailler, commissaire, a tout d’abord tenté de poser des repères chronologiques. Elle a exploré les pistes traditionnelles de la conception d’une exposition. Pour finalement imaginer avec Paolo Roversi une exposition qui lui ressemble.

Le fil directeur du parcours est donc la lumière.

On traverse l’obscurité des premières salles pour se diriger vers la grande galerie baignée des lumières diffusées au travers de la grande baie vitrée.

Pas de repères chronologique, ni de salles par couturier pour ce photographe qui a travaillé avec les plus grands. Pas même de cartel à côté de chaque photo : un livret d’explications permet de voyager entre les visages et les clichés.

Cette installation correspond à la façon dont  le photographe travaille, en silence dans le calme de son studio, créant ainsi un parcours poétique qui reflète l’évolution et le mouvement qui marquent sa longue carrière.

Exposition Paolo Roversi au Palais Galliera
Du 16 mars 2024 au 14 juillet 2024
10 Av. Pierre 1er de Serbie, 75116 Paris

L’humain est au centre même de l’oeuvre de Mark Rothko. Toutes ses toiles ont pour unique finalité de s’adresser à lui, de lui faire vivre une expérience, un voyage. Après de nombreuses années à tenter de le représenter, il estime avoir échoué à « représenter la figure humaine sans la mutiler« . Il s’oriente alors vers l’abstraction qu’il ne cessera d’inventer jusqu’à la fin de sa vie. C’est ce parcours passionnant que l’on découvre dans l’exposition Mark Rothko à la Fondation Louis Vuitton.

Mark Rothko – à Yale, rien de nouveau

Dès son plus jeune âge, Mark Rothko connait la douleur de la séparation ainsi que la difficulté à trouver sa place. Né en 1903, il est le benjamin d’une famille juive de Lettonie. Il a 10 ans lorsqu’il quitte sa terre natale quand son père décide d’émigrer aux Etats-Unis pour protéger sa famille. Puis le destin le frappe quand son père meurt brutalement un an après leur arrivée en Amérique. Sa jeune vie est d’ores et déjà jalonnée de traumatismes. Elève brillant, il reçoit une bourse qui lui permet d’intégrer la célèbre université de Yale. Pourtant, face à l’antisémitisme qui sévit déjà au sein de l’illustre institution, il abandonne ses études au bout d’un an en 1923 et s’installe à New York. Sa rencontre avec le peintre Arshile Gorky à la Parsons New School for Design sera déterminante pour son entrée en peinture.

Mark Rothko – une oeuvre

Au commencement, Mark Rothko est un peintre figuratif. Fasciné par le métro de New York et son effervescence, il le représente dans la série  « Subway scenes« . On y reconnait déjà certains codes de ce qui sera la signature de ses oeuvres à venir.

Peinture plane, absence de perspective, formes géométriques sont les éléments centraux déjà identifiables.

Après une période durant laquelle il s’essaie à la mythologie grecque, au début des années 40 Mark Rothko cesse de peindre pendant un an. Il écrit alors un livre qui pose les fondements de sa pensée artistique. Découvert par son fils 20 ans après sa mort, l’ouvrage sera publié sous le titre de « the artist’s reality« .

Dès la fin des années 40 il balaie toute référence au passé dans ses oeuvres. Verticalité et abstraction, absence de cadre, absence de titre, laissent ainsi la place entière à la peinture elle même. Sa volonté absolue est de toucher le spectateur par une peinture « poignante comme de la musique ». Musique qu’il écoute d’ailleurs toujours en peignant, principalement des oeuvres de Mozart.

Des « multiformes » aux « classiques« , il dit ses toiles peuplées d’organismes. Afin d’atteindre le niveau de profondeur et d’émotion qu’il souhaite, Rothko crée ses propres peintures, qu’il affine et qu’il dilue pour superposer de multiples couches fines,  donnant ce ressenti de profondeur réel. Ses toiles classiques apparaissent au début des années 50 et seront sa signature jusqu’à la fin de sa vie.

Mark Rothko – l’exposition

Alors que l’on connaît surtout les « classiques » du peintre, l’exposition propose un voyage intégral au coeur de son oeuvre. Les tableaux sont présentés chronologiquement, chaque salle étant dédiée aux périodes clés de l’artiste.

On commence ainsi par ses oeuvres figuratives. Viennent ensuite les multiformes et enfin les classiques.

Au fur et à mesure des galeries, on découvre l’évolution artistique, la modification des formats, l’exploration des couleurs. L’agrandissement de ses toiles permet une expérience immersive, le spectateur étant littéralement happé par l’oeuvre et ses couleurs.

Alors qu’il revendique ne pas être intéressé par la couleur mais par la lumière ( « la couleur n’est pas ce qui m’intéresse. Ce que je recherche c’est la lumière »), on le qualifie de coloriste. Sa peinture va s’obscurcir, sans qu’il abandonne pour autant les teintes vives. Les Blackforms de la galerie 6 en sont une illustration.

Ou encore, dans la galerie 10, la dernière série des « Black and Grey », présentée en écho à de superbes statues de Giacometti.

La couleur sera néanmoins présente jusqu’à son dernier souffle puisqu’il se suicidera face à une ses monochromes aux rouges flamboyants.

Exposition Mark Rothko du 18 octobre 2023 au 2 avril 2024

Fondation Louis Vuitton 8 Av. du Mahatma Gandhi, 75116 Paris

Il a mis des paillettes dans nos vies et de l’or dans ses créations. Yves Saint Laurent a mis l’or au coeur de sa création dès le premier défilé de sa Maison en 1962. Avec l’exposition « GOLD – les ors d’Yves Saint Laurent« , on part à la découverte des touches dorées qu’il a parsemées dans ses créations.

Les ors d’Yves Saint Laurent – au commencement était le bouton

Le premier défilé de la maison Yves Saint Laurent a lieu en 1962. Révolutionnant tous les codes de la mode, il présente entre autres pièces iconiques le célèbre caban bleu.

Emprunté au vestiaire masculin, il se démarque entre autres par ses boutons dorés. Pour Yves Saint Laurent, tout au long de sa carrière, le bouton doré sera associé au « bijou de jour » On peut admirer une première veste qui illustre cette volonté de rehausser de lumière les pièces de ses collections.

L’or sera omniprésent dans ses créations. On peut le constater avec le célèbre flacon de parfum « champagne ». Ou encore sur des gants et de multiples accessoires.

Qu’il s’agisse de haute couture ou de prêt à porter, de tenue de jour comme de soirée, l’or est là. Dans les broderies, les dentelles, les lamés, les sequins ou même le cuir.

Les ors d’Yves Saint Laurent – l’exposition

L’exposition Gold se tient dans ce qui fut la maison de haute couture du créateur, devenue musée depuis maintenant cinq ans. Un double anniversaire puisque 2022 marque également les 60 ans de la première collection de ce génie de la mode  du XXème siècle.

C’est la directrice du musée, Elsa Janssen, qui a endossé le rôle de commissaire de cette exposition.

En explorant les archives riches du musée, elle et son équipe ont pu extraire une quantité de modèles haute couture et prêt à porter, ainsi qu’une sélection d’accessoires et d’objets.

Ils ont ainsi mis en lumière le côté solaire et généreux d’Yves Saint Laurent.

La visite passe bien sûr par le « studio » du maître.

Un moment d’émotion lorsque l’on découvre son bureau laissé intact. On sent presque sa présence, attendant de le voir passer la porte et commenter les modèles présentés par les mannequins qui défilent sur grand écran…

Ne manquez pas ce voyage dans l’univers étincelant de celui qui a su sublimer la femme encore et encore durant l’intégralité de sa carrière.

GOLD – les ors d’Yves Saint Laurent du 4.10.2022 au 14.05.2023
Musée Yves Saint Laurent Paris 5, avenue Marceau
75116 Paris – France

C’est pour fuir ses créanciers que Balzac se réfugie en 1840 dans ce que l’on appelle aujourd’hui la Maison de Balzac. Il y habitera dans un appartement en rez-de-jardin pendant 7 ans.  Cette maison, désormais devenue musée, a réouvert ses portes à l’été 2019 après des travaux de réaménagement. Suivez le guide !

Maison de Balzac- un peu d’histoire

La Maison de Balzac se situait dans le village de Passy à l’époque où Balzac y emménagea. Ce charmant village bâti sur une colline fut intégré à Paris en 1860.

Quand on entend « Honoré de Balzac »  on pense bien sur « écrivain célèbre ». Ce que l’on sait peut-être moins, c’est qu’il fut un personnage hautement mondain et surtout un homme d’affaire malchanceux. En 1840 il vit une période particulièrement difficile financièrement.

C’est à ce moment qu’il emménage rue Raynouard, dans un appartement de cinq pièces situé en rez-de-jardin de cette maison sur trois niveaux. C’est l’ensemble de la bâtisse que l’on appelle aujourd’hui « la Maison de Balzac« .

Maison de Balzac – le musée

Le fil conducteur du musée est naturellement « La comédie humaine« .  On pénètre directement dans un univers qui décrit l’auteur, à base de citations, mais aussi de critiques d’époque, voire même de caricatures.

Tout son processus créatif est détaillé, ses multiples relectures et ses annotations, avant de se satisfaire de ses écrits.

Soudain,  la tentation est presque là de s’assoir à son bureau demeuré intact et de prendre la plume.

Et pour ceux qui souhaitent tester leurs connaissances sur l’oeuvre monumentale de la Comédie humaine, une salle entière y est consacrée. Généalogie, gravures d’époques, tout y est.

Maison de Balzac – un café et l’addition

Une fois la visite terminée, il est temps de prendre une pause bien méritée. C’est Rose Bakery qui a pris ses quartiers à la Maison de Balzac. Dans un espace sobre et lumineux, on peut prendre un café, se régaler d’une pâtisserie, déjeuner sur le pouce d’une salade,  et même feuilleter un livre.

Alors bonne visite. On se retrouve dans quelques semaines pour un test sur les Rougon Macquart !

La Maison de Balzac 47, rue Raynouard 75016 Paris tel : +33 (0)1 55 74 41 80
du mardi au dimanche de 10 h à 18 h* (sauf certains jours fériés)

 

Cézanne et les maîtres – coup de cœur

Le musée Marmottan

Jean-Michel Basquiat et Egon Schiele sont réunis à la Fondation Louis Vuitton pour une rencontre unique en son genre entre deux artistes aux destins parallèles et au style inimitable. Une des expositions de la rentrée à ne pas manquer.

Egon Schiele et Jean-Michel Basquiat – dialogue

Le trait d’union entre ces deux artistes est avant tout leur ligne, leur coup de crayon. L’un comme l’autre a ce style qui le rend reconnaissable entre mille. Tous les deux, artistes compulsifs infatigables, ils explorent, recherchent sans cesse en démultipliant leur création. L’un quitte rapidement l’Académie où il s’est formé, l’autre prend les murs de sa ville comme terrain d’expression, et tous deux parviennent à imposer leur signature esthétique au fil des années de leur très courte vite pourtant si riche et si intense. En effet, ces deux grands artistes ont été cueillis par une mort brutale avant d’avoir atteint leur 30ème année. Une nouvelle démonstration que la qualité et le talent n’attendent pas le nombre des années.

Egon Schiele – auto portrait saisissant

L’exposition de la Fondation Louis Vuitton commence par un parcours chronologique au sein de l’univers d’Egon Schiele. On commence par ses débuts précoces, à l’âge de 16 ans, âge auquel il rentre à l’Académie. Egon Schiele émerge dans un siècle au bouillonnement artistique intense. Il commence par s’inspirer de Gustave Klimt qui devient son maitre mais rapidement leurs voies se séparent et Schiele rompt avec la tradition pour inventer sa propre écriture. La figure humaine est toujours au centre de ses oeuvres, ses portraits, souvent excessifs, font l’objet de critiques qui les assimile parfois à des graffitis. Et c’est sans aucun doute dans ses auto portraits qu’on perçoit la violence et les combats intérieurs qui l’animent.

Jean-Michel Basquiat – prodige New Yorkais

C’est au début des années 1980 que Jean-Michel Basquiat installe sa réputation en envahissant les murs des rues de New York. Il commence par signer ses oeuvres SAMO – SAMe Old shit. Ses outils d’expression, peinture, dessin, collages, assemblage de mots et de messages, reflètent tous la même colère, la même vitalité. On y retrouve des symboles récurrents, tel ce short rouge de boxeur, sport souvent associé aux noirs à cette époque. Il utilise son oeuvre pour confronter le racisme, mais aussi la violence ou la société de sur consommation. Ses visages sont vibrants, il les dessine, peint, colle.

Il explore l’univers de la transmission des récits et traditions, confronte son oeuvre à d’autres artistes de son époque dont Andy Warhol avec qui il réalisera de nombreuses toiles.

Je ne peux donc que vous recommander chaleureusement d’aller admirer ces deux artistes. Attention, programmez une visite tôt dans la journée et réservez vos billets pour pleinement profiter de l’exposition.

Fondation Louis Vuitton Du 3octobre au 14 janvier 2019
reservation en ligne
8, Avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne – 75116 – Paris
Tel : +33 1 40 69 96 00